Scritti da voi… “Beni culturali, beni comuni”

Architettura e arte, anime di una città

Cos’è un bene culturale? Cos’è il patrimonio culturale? Dal latino patrimonium, esso indica il lascito delle ricchezze del padre al figlio affinché egli le conservi, le valorizzi e, a sua volta, le trasmetta ai posteri. La ricchezza che passa da una generazione all’altra documenta la vita di chi ci ha preceduto. Il “bene” è fonte di valore ed è tale solo se è significativo per una certa cultura: racconta la storia di una civiltà, le abitudini di una comunità, ne costituisce il simbolo e rafforza il sentimento di identità. Ed è così da sempre! Basta pensare alla piazza, uno spazio che da secoli costituisce il fulcro della vita cittadina, il magnete che attira a sé e raccoglie le esperienze popolari… il luogo di incontri e di scambi in una cornice costituita la maggior parte delle volte da edifici ecclesiastici e di culto, palazzi signorili e monumenti commemorativi o di rappresentanza.

Per definizione il bene culturale è una testimonianza materiale avente valore di civiltà: pertanto è il popolo che si riconosce, che riconosce le sue radici e le sue origini nel bene culturale. Ci sentiamo legati al nostro patrimonio culturale molto più di quanto crediamo.

Da abruzzese che sono riporto l’esempio dell’orribile catastrofe che il 6 aprile 2009 ha duramente colpito la mia regione, in particolar modo la zona dell’Aquila, danneggiando e radendo al suolo moltissimi edifici culturali. Ebbene, mai, come dopo il sisma 2009,  il senso di appartenenza alla propria terra è stato così forte nella popolazione abruzzese: si è sentita la mancanza dei principali punti di riferimento, in quanto a venir meno sono stati i luoghi “simbolo” della vita cittadina, in cui le persone si riuniscono e svolgono gran parte della loro vita: il Duomo dell’Aquila, la basilica di S. Maria di Collemaggio, la Fontanadelle 99 cannelle, il Castello spagnolo e molti altri. Ad essere stati abbattuti non sono solo i singoli monumenti, ma l’intero impianto storico di una città capoluogo che, in quel centro storico, riconosceva la sua identità collettiva.

Concludo citando le parole dell’ex sindaco di Firenze, G. La Pira: “ Le città storiche sono delle incarnazioni, dove i caratteri formali dell’urbanistica e quelli ideali della storia si fondono insieme, per rendere un’unica testimonianza alla bellezza della vita e del bene comune. Tutelare e valorizzare la storia e l’arte di una città vuol dire salvaguardarne l’anima.”  ( Lorenza Fuina)

 

Scritti da voi… “Appunti sul sogno e sull’arte”

Sogno e arte: ‘spazio interiore che profuma di onirico’

Il mondo dell’arte è strettamente “dipendente” dalla dimensione del sogno e dalla visione. Sarebbe impensabile e folle, tanto più in una cartella, poter comprimere le intuizioni che gli artisti hanno sviluppato utilizzando il sogno e la visione onirica. Tutta la storia dell’arte è segnata dall’esteriorizzare della dimensione inconscia, già le tribù preistoriche tracciavano nelle grotte impianti simbolici e sciamanici che sfociarono in un’arte che oggi potremmo definire “paradossalmente” contemporanea.

Il grande poeta inglese William Blake (1757-1827) declamava così il vivere reale, “il mondo dell’immaginazione è il mondo dell’eternità“. Molti altri, tra cui parecchi  psicoanalisti e  simbolisti potrebbero asserire:  “che il mondo degli archetipi e dell’essere interiore è la vera proiezione della realtà che ci circonda”. Concetto tra l’altro attualissimo, che lambisce anche il terreno della fisica quantistica, così come quello della mistica occidentale.

Il “vedere” onirico fa parte della nostra cultura, del nostro impianto di essere umani. Il sognare non è un elemento accessorio dell’esistenza, bensì una parte fondante del nostro sonno quotidiano, senza la fase Rem, l’uomo non sarebbe in grado di scaricare “a terra” stimoli e pulsioni che lo comprimono nelle follie della vita quotidiana. Nella rappresentazione, in arte, il sogno e la visione onirica, raccontano e divengono escatologia simbolica, esorcismo del vivere, ‘psicomagia’ dell’esistenza.

L’elemento razionale  difatti ha preso sempre  più possesso nella nostra vita, ponendo così al confino l’emozione e il sentimento, la percezione  irrazionale, il principio fondante dell’esoterismo (delle cose nascoste). Tuttavia l’arte è preposta per sua natura ad essere realtà storica di avanguardia, contestualmente esonerata da vincoli che rendono invece altre discipline succubi e legate al quotidiano e al raziocinio.

Chi genera arte non può che “riconnettersi” a quello spazio interiore che profuma di onirico, l’arte di per sé è una visione che trascende il quotidiano, uno  spazio limbico inadatto alla concezione meccanicistica e logica dell’esistenza, molto invece più propensa al sogno lucido, all’emozione forte del risveglio. L’operare in arte e nella rappresentazione in genere, diviene  movimento inconscio e allo stesso tempo visionario. Il colore, le melodie, il ritmo, la poetica divengono “esseri” interiori sempre più lontani dal percepire conosciuto e dal contesto mondano.

Gauguin ad Haiti va a ricercare, esternandola in pittura, una primordiale purezza, un primigenio senso interiore dell’esistenza e, al contrario degli impressionisti si fa beffa dell’esteriorità delle cose e della luce, vive invece una sua dimensione onirica che gli permette di “vedere” e di rappresentare quasi ad occhi chiusi quel mondo che può esistere solo dentro di noi. Schopenhauer per sua natura invece concepisce “il mondo come volontà di rappresentazione“, mettendo in circolo quella visione artistica che risiede nella concezione estremamente personale e visionaria dell’esistenza. Il  noumeno per Schopenhauer, è  sogno personale e rappresentazione in sé.

Nel sogno e nell’arte c’è lo stesso minimo comun denominatore, la stessa creta che il sognatore-artista spalma attraverso la sua ‘proiezione astrale’ e personale, a volte in modo estremamente corretto senza né convenienza di parte, né tanto meno sviolinate scontate, così presenti e stridenti oggi nel mondo dell’arte contemporanea. (Jimmy Cerquetella)

La musica della vita

Seminari di MUSICOTERAPIA ANZIANI DISABILITA’

Calendario giornate di studio

I seminari vogliono essere un approfondimento intensivo sulla tematica Musicoterapia Anziani, Musica con Alzheimer, Parkinson, Musica come accompagnamento al termine della vita, Musica come attività in struttura in collaborazione con il settore dell’animazione, della fisioterapia con il lavoro degli operatori, in raccordo e collaborazione con i famigliari degli anziani. Questi percorsi formativi sono particolarmente indicati per musicisti, operatori del sociale, medici, infermieri, fisioterapisti, coordinatori di struttura, psicologi, studenti di scuole di musicoterapia di nazionalità italiana o straniera. Non vi sono limiti d’età. Non è richiesta una competenza musicale specifica di base. Gli incontri alterneranno attività laboratoriali ad attività didattiche frontali che in ogni modo saranno condotte con esemplificazioni video.

Al termine del corso verrà consegnato attestato di partecipazione.

I seminari per essere confermati devono avere almeno 7-8 iscritti. Nel caso si raggiungesse un numero di iscritti superiore al numero consentito (numero max iscritti differente nei vari appuntamenti) verranno programmate più date di incontri da concordare con la segreteria del corso.

Fin dagli anni 90 Roberto Bellavigna insegnante e musicista attivo in ambito concertistico lavora stabilmente in equipe all’interno di strutture geriatriche e nei centri con ragazzi disabili con progetti strutturati di musicoterapia. In questi contesti, nel contatto lavorativo settimanale con le varie situazioni, ha maturato un approccio musicale pratico e nel contempo analitico volto a rivalutare la risorsa empatica personale ed emozionale della musica come strumento che promuove obiettivi importanti quali la socializzazione, il recupero e il potenziamento cognitivo, l’attivazione e il supporto del movimento. Molte le collaborazioni formative in varie zone d’Italia sia in ambito progettuale che nel contesto scolastico e sociale. La casa di riposo “Rossi Sidoli” sede storica del lavoro di musicoterapia di Roberto Bellavigna è sede di incontri e di confronto verifica sulla tematica musica anziani che hanno prodotto negli anni Convegni, corsi di formazione e collegamenti con altre esperienze a carattere nazionale ed internazionale sul tema della valutazione in musicoterapia e sull’organizzazione di percorsi terapeutici musicali con anziani e malati di Alzheimer. Attualmente la rivista tematica www.musicoterapia-anziani.eu fondata da Roberto Bellavigna e di cui è direttore editoriale è punto di riferimento documentale e informativo sulla tematica in Italia ed all’estero. l corso vuole essere un approfondimento sull’utilizzo della musica nelle relazioni di aiuto in ambito geriatrico e scolastico nonchè nei centri ove sono ragazzi disabili. Allo Stage possono partecipare musicisti, operatori del sociale, medici, infermieri, fisioterapisti, insegnanti, coordinatori struttura, psicologi, studenti di scuole di musicoterapia di nazionalità italiana o straniera. Non vi sono limiti di età, non è richiesta una specifica competenza musicale specifica di base. Chi vuole portare con sè strumenti musicali personali di proprio gradimento è invitato a farlo.

Per aggiornamenti sulle date e i luoghi
www.musicoterapia-anziani.eu

GRIDO: l’arte tra sogno e bi-sogno d’amore

A cura di RoSaVida Produzioni

Debutta “GRIDO” il 25 febbraio 2012 alle ore 21 presso il teatrino privato della Fondazione DiversoInverso a Monterubbiano (FM).

Autoprodotto a costo zero GRIDO Recital è un Progetto RoSavida nato grazie alla volontà di sei artisti che hanno fatto del loro incontro un’occasione di confronto e  sperimentazione. Testo, musica, recitazione, disegni, video e danza: lo spettacolo è un collettore di arti e di esperienze che si muovono alternandosi e a volte sovrapponendosi per dare forma e voce al grido profondo racchiuso in ogni unica e irripetibile esigenza d’amore. L’idea iniziale è stata quella di raccogliere delle poesie scritte negli anni che attraversano il vivere umano, l’amore, la disillusione, l’incapacità, la speranza, la bellezza e la crudeltà dei sentimenti, la persistente e caparbia volontà di amare.

“In questa città siamo tutti dei fantasmi, essenze mobili e vaganti, che appaiono e scompaiono”, la riflessione affronta il senso delle nostre essenze di esseri umani “che ingenuamente e atrocemente respirano… amore” che nei sentimenti riversano, versano e con distrazione spesso, perdono pezzi di sé stessi “carne umana”. I bisogni rendono vulnerabili, ci espongono all’altro, fragili e in attesa. Chi non ha provato il “vuoto del pieno amore” quando la speranza di invecchiare insieme abbracciati, si è sostituita alla realtà della privazione dell’altro, della solitudine “siamo vulnerabili illusioni, un grido si dipinge nei nostri occhi”.

Lo staff. Rosetta Martellini e Roberta Fonsato, voci narranti  di tanti interiori gridi, rappresentano le due facce della stessa anima, l’anima di una donna, del suo incedere nella vita e nei sentimenti. Rosetta ci conduce con maestria interpretativa raffinata e sottile dai toni leggiadri e gioiosi, attraverso la bellezza, la sensualità e l’incanto a tratti malinconico del cosiddetto “Amore”. Roberta  è il contraltare chirurgico, tagliente a tratti fastidioso del disincanto amoroso.

Fanno da sfondo come affreschi inesorabili i segni “animati” di Sabrina Lupacchini, che con magia onirica avvolgono e accolgono le parole, parole mute, urlate col tratto senza fare rumore. Linee bianche e nere si muovono morbide sfilano davanti ai nostri “occhi che esplorano”. La musica originale eseguita dal vivo da Roberto Bellavigna ci prende per mano e ci accompagna in questo viaggio, dove siamo “specchi del nostro dentro” generi musicali differenti,ma unica persona. Il passo danzato di Anibal Castro che conclude lo spettacolo è di nuovo un ritrovarsi, un riconoscere sé e l’altro “due destini possono incontrarsi, aspettarsi, lasciarsi e chissà ….riprendersi”. Per raggiungere l’unione  i passi sicuri e sinuosi di Anibal si muovono verso l’incontro…attraverso un tango. Luci e audio sono affidati all’estro imprevedibile di Jimmy Cerquetella.

Lo spettacolo continua, perché è continua la vita, tra funambolici e fantasiosi “Bisogni…e bi-Sogni”.

Fantasmi o no…scegliamo. Amiamo?

 

CONTATTI PER CHI DESIDERA PROMUOVERE O PROPORRE LO SPETTACOLO
robertafonsato@asia.com

SCHEDA TECNICA

INTERPRETI: ROSETTA MARTELLINI, ROBERTA FONSATO E ANIBAL CASTRO
MUSICA originale eseguita dal vivo: ROBERTO BELLAVIGNA
TESTI: ROBERTA FONSATO
DISEGNI E VIDEO: SABRINA LUPACCHINI
REGIA AUDIO e LUCI: JIMMY CERQUETELLA
REGIA: ROBERTA FONSATO

Cast: 2 attrici, 1 ballerino, 1 musicista, 1 regia immagini e filmati, 1 tecnico audio luci

Service: attacco luce con almeno 3 kW; impianto 2 luci bianche con possibilità mixer luci; impianto audio 2 casse 3 monitor -3 microfonini o 3 microfoni fissi con asta- 1 mixer audio  entrata jack stereo; telo proiezioni; proiettore computer

L’arte non ha mai pareti

Artesociale.it, un nuovo magazine online e uno spazio di condivisione

Andrea Braconi  – Corriere News


Roberta Fonsato
, dramma-terapeuta. Sabrina Lupacchini, art-counselor e documentarista sociale. Dietro (e dentro) Artesociale.it ci sono loro due, le loro esperienze e soprattutto la loro voglia di lasciar incrociare arte e sociale attraverso un magazine online.

“ARTeSOCIALE è prioritariamente uno spazio di condivisione. Nasce in modo molto spontaneo, ma con un tempo di incubazione lungo, maturato negli anni, attraverso personali sperimentazioni artistiche nell’ambito sociale e non solo. L’esigenza è quella di riflettere sul ‘senso sociale’ dell’arte, sul suo significato e sull’importanza dei possibili impieghi nella forma terapeutica ed espressiva. Temi di rilievo vecchi nel tempo umano, ma mai come oggi così ricercati e approfonditi, attraverso i quali si possono esperire valori, riscoprire i piaceri del fare, recuperare il bisogno di cultura e di incontro. Si parla molto di arte e di sociale, ma poco della loro integrazione, o meglio le due realtà sembrano spesso scollegate o prestate una all’altra. Un conto è l’arte sociale, un altro è l’arte nel sociale. L’arte è già di per sé sociale, in quanto ha una funzione propriamente comunicativa, collettiva e socializzante, aggrega e fa condividere. Lasciarle separate non rispetta di fondo la loro essenza.”

Quanto hanno inciso le vostre esperienze personali, soprattutto in ambito professionale, per la creazione di Artesociale.it? “Ci occupiamo di arte da anni e le varie esperienze nel sociale hanno accompagnato i nostri percorsi di vita e viceversa; la creazione del magazine è stato come un approdo naturale, abbiamo seguito un’impellenza creativa, rispondendo ad un bisogno personale di uno spazio che potesse dare e ricevere un’altrettanta condivisa impellenza. E così, molto semplicemente, abbiamo unito alla passione artistica il legame sociale.”

Come riportato nella presentazione, siete impegnate anche a promuovere idee creative, progetti, eventi, seminari, momenti di formazione, baratti di “saperi”. ”Intendiamo raccogliere quanti più articoli possibili e creare una documentazione sul tema. Per questo chiediamo il contributo di tutti e a quanti ci seguiranno di partecipare attivamente alla sua realizzazione attraverso la pubblicazione dei vari materiali. L’idea è quella di promuovere molti artisti, che spesso rimangono sconosciuti, artisti che creano tra le mura domestiche, in centri diurni, residenziali, comunità, che non hanno spazi dove “esporre” le loro opere. Artisti di grande levatura che, condividendo la loro arte, non offrono la loro funzione sociale perché “risiedono” in contesti comuni o di veste “sociale”, ma “barattano” in quanto artisti, appunto, il loro sentire. L’arte non ha pareti che ne definiscono la funzione, ma semplicemente luoghi emotivi che arricchiscono coloro i quali la vivono e la partecipano.”